謝謝邀請。
上面的答案主要是關於電影電視編劇的，我來說一點關於戲劇編劇的吧。
1.工作的初始條件可能有很多種，比如一個劇院出錢請編劇寫一出戲，這種叫Commission，能拿到Commission的編劇一般都是已經嶄露頭角或者出了名的；或者一個以前合作過的導演想拍一出戲，所以請編劇來寫。對於編劇自己來說，最開始的可以是一個想法，一個零碎的片段，甚至一句台詞，或者自己想象中的開場或結尾時的畫面。有些人喜歡在真正動筆之前列一個提綱，把整個戲的基本結構規劃出來，即李漁說的「立主腦」。當然，寫的過程中可以隨時修改或推翻這個規劃；也有的人傾向於不列提綱，覺得這樣會把自己限制住，他們更喜歡摸著石頭過河，邊寫邊決定故事接下來的走向。這是個人喜好問題，我偏向於前者。
2.戲劇作品和電影電視不同，大多數時候都只有一個編劇，合作的話一般也不會超過三個人。如果一部劇沒有一個專門的編劇，而是由導演提出一個概念，然後由全體演員共同完成一個故事結構，這樣的形式叫Devised Theatre，賴聲川早期的很多作品就屬於這一類。他作為導演，帶領大家一塊構思，所以連具體的劇本也沒有，是後來為了出書才專門又根據回憶、錄音、錄像等把當時演出的文本整理出來。電影和電視行業裏，至少從我聽老師講的，組織結構更加明顯一些。拿電影來說，有人只提供故事的梗概，然後有人負責具體的台詞；電視的話，一部劇的最頂端是Creator，他們通常也是整部劇的出品人，他們為整個劇定下基調，而具體每集的故事和台詞一般是由一個編劇團隊（幾人到十幾人）來完成的。
3.戲劇編劇最經常吐槽的應該是導演。因為把紙上的文本搬上舞台，使之變得有血有肉，需要導演和編劇步調一致，有互相契合的想法，最害怕的就是導演完全誤讀了編劇的本意，把一出嚴肅的正劇排成了鬧劇。當然編劇也要學會在合作的最初階段向劇組，尤其是導演清楚地介紹說明自己的作品。另外經常被編劇吐槽的是劇構，即Dramaturg。好的劇構能夠為劇本修改和排練貢獻必要的事實資訊（相當於顧問的職務）提出值得導演和編劇思考的問題。而糟糕的劇構只會說「你的戲太長了，得砍掉一些」或者「這個場景有毛病，讓我來把它修好」，甚至「我也貢獻了不少，到時候編劇也寫上我的名字吧」。劇本不是個病人，不是個有BUG的程式。而且，如果你想當編劇並且相信自己有這樣的能力，就去寫自己的劇本，請不要來腆著臉對別人的東西指手畫腳。
4.在美國，戲劇編劇的收入大概是這樣構成的：1）Commission，如果有的話；2）各種競賽的獎金，如果能得到的話；3）各種藝術基金會的Fellowship或者Grant，如果能申請得到的話。很顯然，這些都不是固定收入，而且都是可遇不可求的（除非你已經很出名，Commission多得接不過來）。現在已經不是18、19世紀，每個劇團都有固定的駐團編劇，好吃好喝養著。如果想要有固定的收入，大學教授當然是最理想的選擇，但是要得到這麽一份工作，首先得獲得認可，得些獎什麽的，很不容易。所以很多剛上路的編劇都是找一份甚至兩份不相關的工作養活自己，利用剩下的時間寫東西。
5.絕大多數（95%）都是自由職業者。
6.我覺得所謂「門檻」有兩大構成要素：1）天賦；2）努力程度。天賦是個很玄的東西，沒有固定的標準。努力程度很簡單，下了多少功夫就是多少功夫，從古到今沒有變過。所以門檻不存在低了或者高了的問題。外部條件方面，借助於各種新興媒體，編劇是有了更多的渠道讓別人看到自己的作品。
寫得比較倉促，沒有上面的答案周詳。希望對你有幫助。
